I 70 Migliori Film degli Anni ’70 (Sesta Parte)

di Emanuele D’Aniello

Abbiamo iniziato una folle cavalcata per scoprire gli 70 miglior film degli anni ’70, probabilmente una delle classifiche più difficile da fare. Ricordando come questo elenco sia il più imparziale possibile, e come la differenze tra i vari titoli sia davvero minima, perchè parliamo del meglio tra centinaia di migliaia di pellicole realizzate, continuiamo a scalare le posizioni rivisitando incredibili opere cinematografiche

20. AGUIRRE FURORE DI DIO (di Werner Herzog, Germania 1972)

Raramente nella storia del cinema il rapporto tra regista e attore è stato tanto tormentato e al tempo stesso fecondo, quasi diventando un vero e proprio rapporto di amore e odio, come quello tra Werner Herzog e Klaus Kinski. La loro particolarissima e spesso furibonda relazione artistica si rivede con magnificenza inAguirre, storia di uomini assetati di potere e successo che sconfina nell’ossessione e nella vera follia, quasi un testamento cinematografico dell’ambizione megalomane di Herzog e della recitazione viscerale, ai limiti del maniacale, di Kinski. Un film che non racconta un qualcosa, ma lo assorbe, diventando un unico tessuto col paesaggio, col tono grottesco, con gli scenari mostruosi, con le visioni oniriche, con i personaggi al limite oltre la sanità mentale. Aguirre è la storia di incubo, ma il cinema di Herzog e Kinski è stato un grande sogno.

19. ULTIMO TANGO A PARIGI (di Bernardo Bertolucci, Italia/Francia 1972)

Certo, il capolavoro di Bertolucci è passato alla storia per le sfacciate ed esplicite scene di sesso trai protagonisti, e per le polemiche che quelle scene hanno suscitato in seguito, ma dietro quelle scene c’è un senso di malessere profondo che ancora oggi scuote e lascia il segno. Bertolucci racconta la solitudine, la tristezza di una vita inutile, la mediocrità di un uomo che fa i conti col proprio presente, le nuove generazione sempre più superficiali, ed un erotismo disperato dietro il quale non c’è mai l’amore e la vera passione. Un gioco di emozioni e ruoli in cui giganteggia Marlon Brando, autore di una performance indimenticabile per presenza scenica e capacità di smuovere l’animo col solo repentino cambio di sguardo.

18. INDAGINE SU UN CITTADINO AL DI SOPRA DI OGNI SOSPETTO (di Elio Petri, Italia 1970)

Uno dei più grandi capolavori del cinema italiano, il film risente immensamente dell’atmosfera socio-politica dell’epoca, tra le proteste del ’68 e l’esplosione degli anni di piombo, e come una calamita attrae tutti questi elementi da cui acquista sempre più potenza, carisma, intensità, e visione profetica che risulta attuale perfino adesso. La prova semplicemente mastodontica di Gian Maria Volontè e l’immortale martellante tema musicale di Ennio Morricone sono tasselli essenziale nel costruire un capolavoro che affronta temi scottanti, quasi con impronta psicanalitica, come l’abuso di potere, le contaminazioni politiche, la repressione poliziesca, gli autentici deliri che può portare la certezza di essere sempre al di sopra della legge.

17. SUSSURRI E GRIDA (di Ingmar Bergman, Svezia 1972)

Film che come dirà lo stesso Bergman non poteva che essere a colori, poiché il rosso è l’interno dell’anima. Un’opera quindi dai colori che presentano i vari stati emotivi con una fotografia eccezionale firmata Sven Nykvist che vincerà anche il premio Oscar proprio per questo lavoro. Tre sorelle si ritrovano nella loro casa di campagna: una di loro Agnese è infatti in fin di vita a causa del cancro e viene accudita da Anna, una materna e premurosa domestica. Questa malattia e la morte poi mette in evidenza i contrasti esistenti e mostra i mondi interiori e nascosti di tutti i protagonisti, ognuno con i suoi segreti e con i sui dubbi e piccole e grandi debolezze. Quattro figure femminili che si intrecciano in una narrazione che spazia dall’onirico ai flashback, per arrivare al macabro e al violento e che mostra caratteri che si incontrano e scontrano incessantemente. Tematiche come il perdono, l’amore, la fede, la morte, la superficialità, la speranza e l’incomunicabilità convivono in un quadro perfetto nella sua tela straziante fatta di sussurri e di grida.

16. IL FASCINO DISCRETO DELLA BORGHESIA (di Luis Bunuel, Francia/Spagna 1972)

Molti lo conoscono per i grandi poemi surreali in bianco e nero dei primi anni ’30, quelli ideati e realizzati con Salvador Dalì, diventati più icone che film, ma Luis Bunuel il meglio di se lo ha dato sul finire della carriera, quando la sua corrosiva critica alla borghesia, anzi a qualsiasi classe sociale senza risparmiare nessuno (polizia, chiesa, ricchi), si è mischiata alla commedia, rubandone i toni per creare una satira surreale e onirica tuttora insuperata. Un pranzo continuamente interrotto, tre coppie benestanti che non riescono mai a mangiare perchè fermati da qualcosa o qualcuno: potrebbe essere la premessa per un film comico, invece Bunuel radicalizza tutto realizzando così il suo film più divertente, riuscito ed efficace.

15. IL CACCIATORE (di Michael Cimino, USA 1978)

Film simbolo del cinema americano sul Vietnam, il capolavoro di Cimino è un triste e fortissimo ritratto di una nazione al tempo stesso carnefice e vittima, di una società distrutta dall’esperienza della guerra, della difficile integrazione dei soldati al ritorno, la raffigurazione più spietata della perdita dell’innocenza dell’America. Film al centro spesso di roventi polemiche, soprattutto per accuse di razzismo verso gli asiatici, in realtà molto fu dovuto alla decisione di mostrare le scene di tortura senza filtri, uno dei primissimi film a farlo quando la guerra era fresca nella mente di tutti. Le fantastiche interpretazione dell’intero cast sono il suggello di un film immortale.

14. CHINATOWN (di Roman Polanski, USA 1974)

E’ curioso notare che negli anni ’70, un’epoca avarissima di noir, Roman Polanski alla regia e Robert Towne firmano uno dei migliori noir di sempre. Figlio innegabilmente dei romanzi di Chandler e dei film ad esso ispirati, Chinatown è un’opera perfetta e impeccabile nella forma e nella ricostruzione sia d’epoca sia dell’atmosfera, con un intreccio coinvolgente e solidissimo, personaggi privi di sbavature, dall’investigatore alla femme fatale al cattivo, con attori in stato di grazia ed un finale amaro semplicemente sublime.

13. L’ESORCISTA (di William Friedkin, USA 1973)

Esiste un film più citato e imitato di L’Esorcista, opera che da sola riesce a rappresentare un intero genere? Per molti, anche oggi, è il film più spaventoso di sempre, non tanto per gli effetti scenici che ormai possono essere superati, quanto per l’atmosfera inquietante e quel senso di disagio misto a disgusto che colpisce gli spettatori. Il film di Friedkin funziona perchè non è solo un cult dell’horror, ma un film costruito sulla drammaticità del momento, sui personaggi e sulle relazioni, con dei caratteri sviluppati per cui si tifa e si tiene veramente. E quando partono quelle note, i brividi lungo la schiena sono immediati.

12. IL BRACCIO VIOLENTO DELLA LEGGE (di William Friedkin, USA 1971)

Il 1971 è l’anno che segna il grande ritorno del genere poliziesco (è appunto l’anno anche di Ispettore Callaghan: il caso Scorpio è tuo) rappresentato al meglio dal successo del film di William Friedkin. Il film è al tempo stesso adrenalinico ed incredibilmente pessimista, costruito su un montaggio ritmato che esplode nei tantissimi inseguimenti, che siano pedinamenti o folli corse in auto. Una New York squallida, caotica, decadente è lo scenario perfetto per le indagini di Jimmy Doyle, un mastodontico Gene Hackman, personaggio sontuoso che racchiude al meglio l’inutilità dell’ossessione, come testimonia il bellissimo e desolante finale. La dimostrazione che anche le opere di genere possono essere grande cinema

11. QUINTO POTERE (di Sidney Lumet, USA 1976)

Un film diventa immortale quando rimane attuale e contemporaneo in qualsiasi contesto, nazione o anno, lasciando sempre il medesimo incredibile impatto. Network, questo il titolo originale, nato dalla brillante mente dello sceneggiatore Paddy Chayefsky, rientra assolutamente in questa categoria, e anzi è quasi più efficace ora che all’epoca della sua uscita, con quel suo tono profetico e inquietante. Il film non condanna soltanto la televisione, dominata solo dalla logica degli ascolti e dei soldi a discapito della qualità e addirittura della vita umana, ma anche gli spettatori, pronti a creare idoli e distruggerli un attimo. Con interpretazione superlative, e scene indimenticabili, il capolavoro di Lumet rappresenta uno degli sguardi più acuti e amari sulla società del novecento mai realizzati.

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